sigma组合 西格玛尔·波尔克 Sigmar Polke | 不断追求不可预见性

Sigmar Polk

波尔克

sigmar Polke(1941年2月13日-2010年6月10日)是20世纪最贪婪的实验艺术家之一，德国画家和摄影师。1953年，波尔克一家从东德逃到西德杜塞尔多夫居住。12岁的波尔克第一次看到西德经济奇迹带来的冲击和矛盾。世界完全颠倒的印象深深地印在波尔克的脑海里，自由国度出现的“消费”、“媒体”等主题成为他创作的核心。

布尔达，1979/82，织物8片分散，总尺寸:180 x 305厘米。

塔特肖特-西格玛·波尔克

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我生活在我自己的世界里，但没关系，他们在这里认识我。

我活在自己的世界里，这是个好主意。他们都认识我。

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谈到西格玛·波尔克(Sigmar Polk)进入艺术史和他在过去半个世纪的名气，有必要追溯到他与格哈德·里希特和康拉德·吕格(Konrad Lueg)在杜塞尔多夫共同宣布的“资本主义现实主义”，这是对当时民主德国称赞的“社会主义现实主义”的讽刺口号。

1993年，德国西部艾菲尔山的西格玛·波尔克。

在此期间，约瑟夫·博伊于斯在那里的美术学院教书，美国流行音乐很受欢迎，达达主义者和弗朗西斯·皮卡比亚的作品也很受欢迎。冲浪学校的艺术家们激烈地争论着艺术和生活的意义。波尔克和他的朋友们决定用绘画来挑战和讽刺消费社会的梦幻世界和狭隘的战后世俗德国经济奇迹。当时德国社会的核心价值观无非是享受异国情调的旅行、物质享受、漂亮海报的诱惑和时尚的家居环境。在美国艺术的影响下，他们形成了一种被称为“德国波普”的艺术形式。他们的话题不仅仅是无处不在的媒体图片，还直指各种主流艺术流派。波尔克用他1968年的作品《现代艺术》来解释建构主义和非正式风格的抽象。他并没有停止对当代艺术的关注，而当代艺术家开始和他一起迈出最独立的一步。他丰富的绘画创作和不寻常的构图策略总是给别人带来创造性的启示。

西格玛·波克和格哈德·里克特，1966年

波尔克最早的想法是用点阵在布或俗气的装饰印花布上画出日常图案。与沃霍尔和李奇登斯坦使用印象不同，他首先使用刷子，然后使用网格板和喷枪在印刷布上进行创作，在工业化过程中反复印刷点网。他还用橡胶做了一个印象，在纸上放上点阵，稍作偏差，使人与众不同。画面以立体的方式叠加装饰节点，使其闪烁和动作。规则、积累、离散点所呈现的套路风格，是波尔克生活的那个时代统一规范的社会结构。他曾在1966年说过:“在我看来，网格是一个系统，一个原则，一种方法，一个框架。它是分裂的、分离的、有规律的、统一的。”后来在80年代的作品中，他开始用倒格栅来颠覆黑底白点的画面。

Plastik-Wannen，1964，无油帆布，94 x 120 cm。

《棕榈画》(帕尔门画报)，1964年，图案织物上的分散颜料，91.5 × 75.4厘米。

情侣二，1965年，帆布油彩珐琅，190 x 140 cm。

年轻艺术家敏锐地意识到资本主义自由国家的消费和生活对社会的影响。这种新艺术运动的标准版本是反艺术形式化，挪用商业广告中的速写形象移植到创作中，在画面背景中刻意放置庸俗的工艺和媚俗的味道，表现出整个社会被消费行为所控制，进而将名家的作品转移到自己的创作中。

从一个艺术家的角度来看，西格玛·波尔克始终关注着艺术圈和社会的发展，德国对历史的反思，极权制度的崩溃和吸毒；他使用丰富的隐喻来再现政治事件，他的作品的标题经常是直言不讳的、评论性的或令人困惑的。他用日报和画报、连环画或19世纪的木刻集，以及大师作品的印刷图纸和其他材料来制作自己的怪诞作品，从而拼贴的部分获得了与原作无关的新意义。“爱、死亡和魔鬼栖息在画面中；童话与现实交织在一起，欢快而深刻，也夹杂着私人的回忆。”在内涵层面，现实的秩序发生了转移，形成了一种新的、反逻辑的关系，这在德国艺术中是相当罕见的:一种简洁内敛的幽默。

波尔克在《封锁多佛的画》展览中，从报纸和杂志上拿走了食物图片。图片充斥着资本主义国家的消费广告和生活方式，嘲讽战后德国的分裂和贫富悬殊。笔触粗糙，但却是他精心设计的笨拙模样，为德国新绘画的诞生奠定了基础。

闺蜜，1965/66。

《女性朋友》就像一张放大了几百倍的照片，把波尔克的手工技术和科技产生的图像进行对比。

兔女郎，1966年，帆布油画，150 x 100 cm。

帕尔门美术馆，1966年，油画，130 x 110厘米。

自20世纪70年代以来，波尔克热衷于当代社会政治问题和历史主题的互动隐喻，如法国大革命和德国纳粹主义，过度理性成为恐怖屠杀的种子。波尔克痴迷于摄影。他去阿富汗是为了感受世界另一端的自由。从欧洲和美国引进的嬉皮士风格在阿富汗很受欢迎。这段经历激发了波尔克对现实世界的观点和观察角度。他用相机记录，在黑暗的房间里研究相纸和药水，不小心犯了错误，洒出来的化学物质给了他新的灵感，他的照片更多的是泼溅和涂抹。

无题，卡琳，大概。1970年，独特的银明胶印花，手工着色，12.7 × 17.8厘米。

无题，扫烟囱，大概。1970-1972年，纸上棕色毡尖笔，21 × 14.6 cm。

他开始寻找另一条路，走一条摄影不寻常的路。他在拍摄一个场景的时候，不仅在曝光和驱动胶片的时候给了相机一定的独立生命，还先把暗室里的工具和影响胶片发展的药水锁起来作为自己的同伴。例如，在固定在底片上的图像上，添加了化学反应和适当的光源，从而以随机的方式模糊图像。他使用各种媒体的方法与训练有素的技术人员完美再现拍摄图像的方法大相径庭。在洗的过程中，艺术家表现出自己的态度，即纪实与主观元素的融合。双重曝光，逐渐重叠，过度曝光，针对的是形式上的动态，内容上的理性破坏。这种方法在定影前对相纸进行再曝光，或者用成像液和定影液对湿相纸进行再处理，超出了摄影技术的所有规格。还包括从头到尾制作独立作品，虽然这个媒体原则上是用于无限复制的。

大卫·拉梅拉(方尖碑)肖像，1971年，帆布分散喷釉，130 x 150厘米。

吾妻玲二·科普夫，1971/73，帆布油画和纤维素，130 x 110厘米。

20世纪80年代，波尔克开始排斥传统原料，不再使用帆布、封蜡、酒精等。，涂有树脂的染色布被各种试剂覆盖，整个画面变得半透明，温度、湿度和化学物质相互作用，产生新的变化。“他也是一个很难接近和掌握的人。看似简单，实则极其复杂。”在他的大型展览开幕式上，他一句话也不想说，但他没有表现出害羞。波尔克的作品不能仅仅从屏幕上的图像来解读。他用材料和技术创造了一种新的观察方式。艺术界有人叫他炼丹师。

帕格尼尼，1982，画布上的分散，200 x 450 cm。

特雷彭豪斯，1982年，织物分散，200 x 450厘米。

拉特兰娜·玛奇卡，1988-1996，人造树脂，漆，透明聚酯织物上的油漆

《神灯》被认为是波尔克的代表作之一，它由几幅画组成，排列得像一扇又一扇的窗户。这些图像取自17世纪用法语出版的炼金术士书《穆图斯·利伯》。

虽然世界各地的收藏家和美术馆都在争夺他们的作品，但波尔克非常重视隐私，有时人们会认为他总是关上交流的大门。尽管人们曾经将波尔克的创作归类为从美国传入德国的流行艺术流派，但艺术家们拒绝轻易入座。

无题(Square 2)，2003年，金色颜料，油画颜料，帆布压克力颜料，200 x 190 cm。

在筹备2007年威尼斯双年展的时候，波尔克破例开了自己的工作室让记者参观。总是远离采访或摄影的艺术家谈论他的创意。他解释说，图片中的图像对他来说并不是最重要的，人类行为在任何过程中产生的欲望都是他想要表达的主题。他故意用笨拙的方式处理一些作品，这似乎是犯罪的乐趣。一方面，观众会害怕，但另一方面，他们会想靠近仔细看。

Dannecker的Housegecko 1-4，2009，一套4件作品的一部分，丝网印刷/胶版印刷在植绒纸上，带有蜥蜴皮压花，68.5 × 99厘米，第40版。

“展示会很自然。作品不是计划的僵尸再现，而是对不可预测性的不断追求。”对波尔克来说，从来都是打破死板固定的模式，用完全意想不到的方法对我们这些被奇怪习惯束缚的人发动攻势。因为波尔克的作品往往显得简单随意，类似于小孩子的幼稚话语，更令人警醒。这是一个不断提问的艺术家，同时又准备着睿智而混乱的答案。他激发所有人的感官，鼓励人们一起思考，因为他相信，一幅画只有在人们加上自己的想法后才能被称为画:“看动态的画时，你必须把自己放在里面，才能跟着它移动。”

「你能一直相信自己的眼睛吗？你能永远相信你的眼睛吗？)，这是他1976年用荧光颜料画的一张素描的名字，只能在黑暗中看到。波尔克的世界之所以难以琢磨，也可以从他2002年语义双关的标题中得到证明。这幅巨作的画面有黑色的斑块和银色的背景，标题是:“我活在自己的世界里，不过还好，他们在这里认识我。(我活在自己的世界里，也不是什么坏主意。他们都认识我。)"

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